C’est certain, pour tous ceux qui ont découvert le génie Nicolas Winding Refn sur le siège passager de Drive, il serait bon de vérifier sous le capot avant de monter les yeux fermés dans son nouveau bolide.

Forcément attendu par ses fans de la première heure, Only God Forgives promet cependant de laisser les spectateurs qui suivent la tendance du « film à voir en ce moment », au bord de la route.

Et pourtant le réalisateur danois ne filme que le cinéma qu’il a toujours su mettre en image. Du Cinéma avec un grand C, dont la boucle ne semble jamais se fermer tant il explore toujours et encore le 7^ème art au plus profond de sa forme.

Cette balade presque onirique s’ouvre et se ferme avec le délicieux ressenti d’avoir vécu une expérience cinématographique rare.

Les uppercuts et coups de pied balancés ne sont pas servis sur le ring mais pour le spectateur. Chaque séquence détonne et fait prendre un nouveau chemin, étonnant. Si nous sommes peu surpris que le film soit dédié à Alejandro Jodorowsky en début de générique fin, on semble également parfois marcher au plus proche de David Lynch et encore plus  dans les pas de Gaspar Noé, notamment près d’Enter the void.

Car pour Nicolas Winding Refn le cinéma, Only God Forgives notamment, n’est pas uniquement fait pour comprendre mais également pour « croire ». Croire en un art qui nous ramène à force de sensations à une introspection personnelle, un voyage au premier degré, celui du film, puis un second, ramené au ressenti personnel du spectateur.

Si pour lui le cinéma est art avant tout, il sera toujours la démonstration et le démantèlement d’une violence, réelle ou graphique. Ses rares instants de violences extrêmes illustrent autant la rage, contenue ou incontrôlable, de ses personnages mais est aussi le fruit de moments plus profond ; sans rien dévoiler, il formalise dans les derniers instants du film, le complexe oedipien au plus profond des entrailles humaines. On sent déjà les ricanements (polis) et les grognements (vindicatifs) de ceux qui avaient découvert le duo Winding Refn-Gosling au moment du « buzz » de Drive. Si le spectateur avide de film de genre rentre en salle en n’ayant pas lu son petit Danois illustré, effectivement la déception risque d’être au bout de la route. En outre, dire que ce film « est une merde sans nom » peut au mieux laisser indifférent, au pire amuser. En effet, le cinéma ne s’arrête pas à une mise en scène clippée, montée au hachoir, voire uniquement classique. On ne clamera pas que Only God Forgives doit être absolument être vu comme un chef d’œuvre mais il convient de s’arrêter sur cet objet tellement cinématographique qu’il dénote dans une époque où le cinéma cloné reste la manne.

Nous sommes plus proche de Valhalla Rising que de Drive, et c’est presque un soulagement que NWR soit resté lui-même en créant cette bête tentaculaire.

Entre film psychanalytique, drame Oedipien et thriller d’un nouveau genre, le film survit par la richesse et la densité de ses fonds. Pour la forme, c’est du pur Winding Refn, cinéma référencé, introspectif et puissant.

Ryan Gosling, épatant une fois de plus, n’hésite pas à casser son image dans un film radical. Son implication dans le projet est de tous les plans où ce dernier est présent, mais attention à ceux et celles venus faire une promenade proche des « people » en oubliant le sens premier de l’art cinématographique. Le coup de sabre risque de faire mal aux intestins, les propos au cerveau. Là encore, merci NWR.

Quant au génial Cliff Martinez, sa composition fait pour la première fois partie intégrante du film, comme un énième personnage elle vient habiller le corps façonné que Nicolas Winding Refn vient de mettre en forme.

Déroutant, fulgurant, privé de logique mercantile, Only God Forgives est non seulement un film brillant mais également un film nécessaire au mouvement trop souvent perpétuel du cinéma comme un divertissement de la foire du trône.

On rentre en salle pour déguster ce chef d’œuvre comme on pourrait apprendre à écouter du classique ou du jazz la première fois. Une expérience assez bouleversante, qui prend aux tripes et ne laisse libre que bien des heures après les dernières lettres du générique.

Il est certain que le public dans sa majorité rejettera ce film. Dommage car on aimerait avoir plus souvent de tel cinéaste. Radical, stylé, perché, à la symbolique forte. On peut aimer ou rejeter purement Only God Forgives. Le fait de ne pas rester indifférent à cette œuvre sera au moins le point commun des deux parties.

Asghar Farhadi s’est fait connaître en France avec le succès critique et public de A propos d’Elly avant que la reconnaissance hexagonale et internationale n’adviennent avec Une séparation.

Définit avec facilité comme des thrillers sociaux ses films parlent avant tout des rapports humains et de leur complexité, de l’incompréhension parfois convenu par des non-dits.

Ce qui se dégage de sa dernière réalisation est évidemment la force d’écriture qui caractérise presque tous ses scénarios. Sous fond de thriller sentimental Asghar Farhadi propulse le spectateur au cœur d’une famille dont les secrets sont uniquement le fruit de silences, d’actes cachés, de peur d’énoncé une vérité.

Dans ce labyrinthe des sentiments et de désaccords le réalisateur mène son récit d’une main de maître. Évidemment ce n’est pas la subtilité de A propos d’Elly mais un travail conséquent se fait ressentir sur les divers chemins sentimentaux que le film dessine. Or ce n’est pas l’unique force d’Asghar Farhadi, qui lors de prouesses visuelles, montre toute la délicatesse qu’il peut avoir pour capter des instants profonds, cruciaux et les magnifier.

Les coups de théâtre sont toujours présents et marque encore plus le savoir faire du réalisateur à ce jeu des sentiments, sans ne jamais tomber dans le cliché ou une certaine lourdeur ; on peut en outre lui reprocher cette répétition dans la manière de faire dans et à chaque film. Ce qui fait la force de son cinéma est ici décuplé jusqu’à l’étouffement. La forme même de son récit, dans de rares moments, arrive à procurer un sentiment de surplus qui n’était pas nécessaire. Ce qui frappait avec justesse dans ses précédentes réalisations mène ici, rarement, à une chape étouffante (presque tous les protagonistes cachent une dépression ( !)), on reste cependant admiratif devant sa propension à traduire autant en mots qu’en silence le mal être de ses personnages.

Car Asghar Farhadi dirige ses comédiens avec la minutie et l’intelligence que son scénario demande, Bérénice Béjo s’avère même un choix beaucoup plus judicieux que Marion Cotillard, qu’on aurait eu bien du mal à voir d’origine iranienne. Tahar Rahim, Ali Mosaffa, comme les trois enfants brillent de la même manière dans cette mécanique des sentiments, teintés finalement d’une humanité profonde.

Le passé s’avère être une nouvelle belle réussite qui mêle dans un récit intelligent, beauté, dureté des échanges et qui tente de prouver que les gestes, comme les mots, peuvent avoir des conséquences irrémédiables. Asghar Farhadi ne cherche pas à prouver quoique ce soit, il touche simplement le spectateur, en mêlant suspens, émotions, en tentant d’écrire au présent des réflexions simples pouvant dessiner notre comportement futur.

Auréolé d’une petite réputation acquise lors de divers festivals de films fantastiques, Mama sort enfin sur nos écrans.

Comme souvent, l’étiquette produit par Guillermo Del Toro sert de catalyseur au film. A se demander si certaines de ses productions auraient autant de succès, aussi infime soit-elles, si son nom n’apparaissait pas au générique, on se souviendra du très mauvais Don’t be afraid of the dark.

Si dans ses retournements le film utilise les raccourcis connus du genre, sa touche hispanique apporte une fois de plus une émotion palpable. Or, on se fige encore avec cette manière, répétitive à force, comme dans Insensibles récemment, à un cinéma bicéphale qui, s’il fonctionne souvent sur la même alchimie, a bien du mal à se renouveler. C’est cette ambivalence qui perturbe un peu, non Mama n’est pas un mauvais film mais, dans ses grands traits, ressemble à ce qu’on a déjà pu voir. Hormis un final assez osé par son choix radical et sensible, tout ressemble à du déjà-vu, surtout dans les productions de Guillermo Del Toro, qu’on admire par ailleurs.

Andres Muschietti s’avère être tout de même un metteur en scène efficace sur ce genre de production. Certaines scènes efficaces, jouent habilement de références mais également d’originalité pour créer une certaine tension naissante tout au long du film. Le réalisateur bien que friand du jump scare maîtrise ses effets et ne part pas constamment dans une facilité de surcharge sonore et visuelle qui pourrait paraître surfaite ou avoir le mauvais goût du cliché répété.

La force principale de Mama réside donc dans son histoire, qui sans rien en déflorer, affine différents sujets sensibles, liés comme souvent chez Del Toro, aux liens familiaux. Mais si le format court du film à l’origine perd de son charme dans sa manière étirée, reste le propos éternel des films de Del Toro, le rapport parental, maternel. Les deux formats se répondent de manière efficace sur ce plan.

Mais si on peut porter une certaine affection au film pour son fond, la forme, reste maladroite, surtout par son inconstance à filmer les séquences de manière conceptuelle. On passe allégrement de séquences lyriques et touchantes à des instants où Muschietti semble ne pas vraiment savoir où placer sa caméra, séquences aux raccords hasardeux, principalement les scènes « actives ». À croire que le metteur en scène est plus à l’aise dans les instants dramatiques et donc dans la direction d’acteurs que dans les envolées cinématographiques.

Si Mama sort considérablement son épingle du jeu pour ne pas tomber dans une redite, c’est surtout par son casting, Megan Charpentier et Isabelle Nélisse sont éblouissantes quand Jessica Chastain nous prouve encore une fois sa palette de jeu.

En résulte un film bancal, pas complètement détestable, avec un final qui partagera la plupart des spectateurs, qui semble surfait et presque facile. Le « tout ça pour ça » résonne alors à nos esprits quand une radicalité poétique des derniers instants, maîtrisée et parsemée tout au long du film, vient clore les instants horrifiques, qui eux semblaient avoir été posées ça et là dans un esprit de compilation.

Mama finit pas séduire grâce à son esprit, moins par sa forme, efficace donc mais convenue.